Joe Pass • Eximious

 

 Artist Biography:

Joe Pass did the near-impossible. He was able to play up-tempo versions of bop tunes such as "Cherokee" and "How High the Moon" unaccompanied on the guitar. Unlike Stanley Jordan, Pass used conventional (but superb) technique, and his Virtuoso series on Pablo still sounds remarkable decades later.

Joe Pass had a false start in his career. He played in a few swing bands (including Tony Pastor's) before graduating from high school, and was with Charlie Barnet for a time in 1947. But after serving in the military, Pass became a drug addict, serving time in prison and essentially wasting a decade. He emerged in 1962 with a record cut at Synanon, made a bit of a stir with his For Django set, recorded several other albums for Pacific Jazz and World Pacific, and performed with Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, and Benny Goodman (1973).

However, in general Pass maintained a low profile in Los Angeles until he was signed by Norman Granz to his Pablo label. 1973's Virtuoso made him a star and he recorded very prolifically for Pablo, unaccompanied, with small groups, on duo albums with Ella Fitzgerald, and with such masters as Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, and Dizzy Gillespie. Pass remained very active up until his death from cancer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

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Biografía del artista:

Joe Pass hizo lo casi imposible. Fue capaz de tocar versiones up-tempo de temas de bop como "Cherokee" y "How High the Moon" sin estar acompañado por la guitarra. A diferencia de Stanley Jordan, Pass utilizó una técnica convencional (pero magnífica), y su serie Virtuoso sobre Pablo sigue sonando notable décadas después.

Joe Pass tuvo una salida falsa en su carrera. Tocó en algunas bandas de swing (incluyendo la de Tony Pastor) antes de graduarse de la escuela secundaria, y estuvo con Charlie Barnet por un tiempo en 1947. Pero después de servir en el ejército, Pass se convirtió en un drogadicto, cumpliendo condena en prisión y perdiendo esencialmente una década. Emergió en 1962 con un corte discográfico en Synanon, causó sensación con su set For Django, grabó varios otros álbumes para Pacific Jazz y World Pacific, y actuó con Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, y Benny Goodman (1973).

Sin embargo, en general, Pass mantuvo un perfil bajo en Los Ángeles hasta que fue fichado por Norman Granz para su sello Pablo. El Virtuoso de 1973 lo convirtió en una estrella y grabó muy prolíficamente para Pablo, solo, con pequeños grupos, en álbumes a dúo con Ella Fitzgerald, y con maestros como Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, y Dizzy Gillespie. Pass permaneció muy activo hasta su muerte por cáncer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

The Guitar & Orchestra Of Joe Pass • A Sign Of The Times

 

Joe Pass • Blues Dues Live At Long Beach City College

 

 

 Artist Biography:

Joe Pass did the near-impossible. He was able to play up-tempo versions of bop tunes such as "Cherokee" and "How High the Moon" unaccompanied on the guitar. Unlike Stanley Jordan, Pass used conventional (but superb) technique, and his Virtuoso series on Pablo still sounds remarkable decades later.

Joe Pass had a false start in his career. He played in a few swing bands (including Tony Pastor's) before graduating from high school, and was with Charlie Barnet for a time in 1947. But after serving in the military, Pass became a drug addict, serving time in prison and essentially wasting a decade. He emerged in 1962 with a record cut at Synanon, made a bit of a stir with his For Django set, recorded several other albums for Pacific Jazz and World Pacific, and performed with Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, and Benny Goodman (1973).

However, in general Pass maintained a low profile in Los Angeles until he was signed by Norman Granz to his Pablo label. 1973's Virtuoso made him a star and he recorded very prolifically for Pablo, unaccompanied, with small groups, on duo albums with Ella Fitzgerald, and with such masters as Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, and Dizzy Gillespie. Pass remained very active up until his death from cancer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

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Biografía del artista:

 

Joe Pass hizo lo casi imposible. Fue capaz de tocar versiones up-tempo de temas de bop como "Cherokee" y "How High the Moon" sin estar acompañado por la guitarra. A diferencia de Stanley Jordan, Pass utilizó una técnica convencional (pero magnífica), y su serie Virtuoso sobre Pablo sigue sonando notable décadas después.

Joe Pass tuvo una salida falsa en su carrera. Tocó en algunas bandas de swing (incluyendo la de Tony Pastor) antes de graduarse de la escuela secundaria, y estuvo con Charlie Barnet por un tiempo en 1947. Pero después de servir en el ejército, Pass se convirtió en un drogadicto, cumpliendo condena en prisión y perdiendo esencialmente una década. Emergió en 1962 con un corte discográfico en Synanon, causó sensación con su set For Django, grabó varios otros álbumes para Pacific Jazz y World Pacific, y actuó con Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, y Benny Goodman (1973).

Sin embargo, en general, Pass mantuvo un perfil bajo en Los Ángeles hasta que fue fichado por Norman Granz para su sello Pablo. El Virtuoso de 1973 lo convirtió en una estrella y grabó muy prolíficamente para Pablo, solo, con pequeños grupos, en álbumes a dúo con Ella Fitzgerald, y con maestros como Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, y Dizzy Gillespie. Pass permaneció muy activo hasta su muerte por cáncer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

Joe Pass • But Beautiful

 Artist Biography:

Joe Pass did the near-impossible. He was able to play up-tempo versions of bop tunes such as "Cherokee" and "How High the Moon" unaccompanied on the guitar. Unlike Stanley Jordan, Pass used conventional (but superb) technique, and his Virtuoso series on Pablo still sounds remarkable decades later.

Joe Pass had a false start in his career. He played in a few swing bands (including Tony Pastor's) before graduating from high school, and was with Charlie Barnet for a time in 1947. But after serving in the military, Pass became a drug addict, serving time in prison and essentially wasting a decade. He emerged in 1962 with a record cut at Synanon, made a bit of a stir with his For Django set, recorded several other albums for Pacific Jazz and World Pacific, and performed with Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, and Benny Goodman (1973).

However, in general Pass maintained a low profile in Los Angeles until he was signed by Norman Granz to his Pablo label. 1973's Virtuoso made him a star and he recorded very prolifically for Pablo, unaccompanied, with small groups, on duo albums with Ella Fitzgerald, and with such masters as Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, and Dizzy Gillespie. Pass remained very active up until his death from cancer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

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Biografía del artista:

Joe Pass hizo lo casi imposible. Fue capaz de tocar versiones up-tempo de temas de bop como "Cherokee" y "How High the Moon" sin estar acompañado por la guitarra. A diferencia de Stanley Jordan, Pass utilizó una técnica convencional (pero magnífica), y su serie Virtuoso sobre Pablo sigue sonando notable décadas después.

Joe Pass tuvo una salida falsa en su carrera. Tocó en algunas bandas de swing (incluyendo la de Tony Pastor) antes de graduarse de la escuela secundaria, y estuvo con Charlie Barnet por un tiempo en 1947. Pero después de servir en el ejército, Pass se convirtió en un drogadicto, cumpliendo condena en prisión y perdiendo esencialmente una década. Emergió en 1962 con un corte discográfico en Synanon, causó sensación con su set For Django, grabó varios otros álbumes para Pacific Jazz y World Pacific, y actuó con Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, y Benny Goodman (1973).

Sin embargo, en general, Pass mantuvo un perfil bajo en Los Ángeles hasta que fue fichado por Norman Granz para su sello Pablo. El Virtuoso de 1973 lo convirtió en una estrella y grabó muy prolíficamente para Pablo, solo, con pequeños grupos, en álbumes a dúo con Ella Fitzgerald, y con maestros como Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, y Dizzy Gillespie. Pass permaneció muy activo hasta su muerte por cáncer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

Bumble Bee Slim • Back In Town!

 

Bumble Bee Slim

Amos Easton (7 de mayo de 1905 – 8 de junio de 1968), más conocido como Bumble Bee Slim, fue un músico de blues estadounidense de la década de 1930. Algunas de sus grabaciones de aquel periodo fueron muy famosas, llegando a ser comparadas con las de otros intérpretes conocidos de blues como Big Bill Broonzy, Peetie Wheatstraw, Tampa Red, Scrapper Blackwell, Papa Charlie McCoy y Washboard Sam.

Artist Biography by Cub Koda

Popular and prolific, Bumble Bee Slim parlayed a familiar but rudimentary style into one of the earliest flowerings of the Chicago style. Much of what he performed he adapted from the groundbreaking duo Leroy Carr and Scrapper Blackwell -- Slim built on Carr's laconic, relaxed vocal style and Blackwell's guitar technique. During the mid-'30s, Bumble Bee Slim recorded a number of sides for a variety of labels, including Bluebird, Vocalion, and Decca, becoming one of the most-recorded bluesmen of the decade.

Born in Georgia, Bumble Bee Slim left his home when he was a teenager. He joined a circus and travelled thorughout the south and the Midwest for much of his adolescence and early adulthood. Eventually, he made a home in Indianapolis, where he played local parties and dance halls.

Bumble Bee Slim moved to Chicago in the early '30s. After a few years in the city, he began a recording career; his first singles appeared on Bluebird. Slim wrote and recorded frequently during the mid-'30s, selling more records than most of his contemporaries. In addition to cutting his own sides, he played on records by Big Bill Broonzy and Cripple Clarence Lofton, among others.

Bumble Bee Slim moved back to Georgia in the late '30s. After a few years, he left the state once again, relocating to Los Angeles in the early '40s. During the '50s, Slim cut some West Coast blues for Specialty and Pacific Jazz, which failed to gain much interest. For the rest of his career, he kept a low profile, playing various Californian clubs. Bumble Bee Slim died in 1968.

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Bumble Bee Slim

Amos Easton (7 de mayo de 1905 - 8 de junio de 1968), más conocido como Bumble Bee Slim, fue un músico de blues estadounidense de la década de 1930. Algunas de sus grabaciones de aquel tiempo fueron muy famosas, llegando a ser comparadas Con los otros intérpretes conocidos de blues como Big Bill Broonzy, Peetie Wheatstraw, Tampa Red, Scrapper Blackwell, Papa Charlie McCoy y Washboard Sam.

Biografía del artista por Cub Koda

Popular y prolífico, Bumble Bee Slim combinó un estilo familiar pero rudimentario en una de las primeras floraciones del estilo de Chicago. Mucho de lo que realizó se adaptó del dúo innovador Leroy Carr y Scrapper Blackwell: Slim se basó en el estilo vocal relajado y lacónico de Carr y en la técnica de guitarra de Blackwell. A mediados de los años 30, Bumble Bee Slim grabó varios lados para una variedad de sellos, entre ellos, Bluebird, Vocalion y Decca, convirtiéndose en uno de los músicos de blues más grabados de la década.

Nacido en Georgia, Bumble Bee Slim abandonó su hogar cuando era un adolescente. Se unió a un circo y viajó por el sur y el medio oeste durante gran parte de su adolescencia y en su adultez temprana. Finalmente, se estableció en Indianápolis, donde tocó en fiestas locales y salones de baile.

Bumble Bee Slim se mudó a Chicago a principios de los años 30. Después de algunos años en la ciudad, comenzó una carrera de grabación; Sus primeros singles aparecieron en Bluebird. Slim escribió y grabó con frecuencia a mediados de los años 30, vendiendo más discos que la mayoría de sus contemporáneos. Además de cortar sus propios lados, jugó en los discos de Big Bill Broonzy y Cripple Clarence Lofton, entre otros.

Bumble Bee Slim se mudó a Georgia a finales de los años 30. Después de unos años, dejó el estado una vez más y se mudó a Los Ángeles a principios de los años 40. Durante los años 50, Slim cortó algunos blues de la Costa Oeste para Specialty y Pacific Jazz, que no lograron ganar mucho interés. Durante el resto de su carrera, mantuvo un perfil bajo, jugando en varios clubes de California. Bumble Bee Slim murió en 1968.

The Jazz Crusaders • Stretchin' Out

 

In 1961, four fellows from Houston transplanted themselves to Los Angeles and added more distinctly bluesy elements to the soul jazz style with an ear-grabbing album called “The Freedom Sound,” on the Pacific Jazz label. Its four co-leaders were trombonist Wayne Henderson, tenor saxophonist (and occasional bassist) Wilton Felder, pianist Joe Sample, and drummer Nesbert “Stix” Hooper.

They first joined together in Houston in the fifties with the formation of The Swingsters, the group’s embracing of many different musical styles starts where it normally does, at the beginning. “Because we came up on the streets and not in the studios,” says Felder, “our music was live. The Texas streets were rich with the blues of Lightnin’ Hopkins. We grew up on all the deep country sounds. At the same time, we had ears for modern jazz”Miles and Monk”and never saw a contradiction between the old and new.” It’s no surprise, then, that once in senior high, The Swingsters became The Modern Jazz Sextet, a group that continued through their college years at Texas Southern University. Before graduation, though, the call of the road was irresistible, and they were off to L.A.

Two years later, in 1960, the group was signed to Pacific Jazz Records and re-christened The Jazz Crusaders. Their trombone/sax frontline sound was unique, their bop chops impeccable. In a series of superlative albums, The Jazz Crusaders built a national reputation, surviving a decade in which the popularity of jazz was in extreme decline. On one hand, the British Invasion and Motown dominated the youth market; on the other, the jazz avant-garde alienated scores of fans.

The Jazz Crusaders sound caught on big time, and their subsequent Pacific Jazz albums rewarded them with a good deal of exposure. The band performed regularly and got plenty of airplay. But as times changed, so did the Jazz Crusaders. In the late Sixties, they placed popular songs in their repertoire, and firm backbeats began to bolster many a selection. By 1971, they decided that the word “jazz” kept them from attracting a wider listener base, and so they emerged anew with “The Crusaders, Vol. 1,” (Chisa), an album that openly infused jazz with pop, soul, and R&B elements.

If the Jazz Crusaders had achieved some degree of popularity, it was nothing like the crossover success that greeted the Crusaders. Such albums as “Scratch,” “Southern Comfort,” “Chain Reaction,” “Those Southern Knights,” “Free as the Wind,” “Images, Street Life,” and “Royal Jam” (recorded variously for the Chisa, ABC Blue Thumb, and MCA labels) sold well and brought in a deluge of new fans. Street Life’s title track, with Randy Crawford on vocals, provided the Crusaders with a major crossover hit in 1979.

The Crusaders’ popularity started to fade in the early Eighties, prompted by Henderson’s departure. Hooper then left as well, and by the early ‘90’s, Sample and Felder had disbanded the group.

A few years later, Henderson and Felder began performing together, first as the New Crusaders and then, as the Jazz Crusaders. Henderson was able to hold on to the name Jazz Crusaders and is still touring under that name.

They reunited after a 20-year absence, and in 2003, Verve Records released “Rural Renewal.” This record featured the heart of the original Crusaders lineup;Joe Sample on keys, Wilton Felder on saxophone, and Stix Hooper on drums, along with trombonist Steve Baxter, in Wayne Henderson’s former spot. Also on board was Stewart Levine, the producer credited for The Crusaders’ major successes in the 1960s and 1970s.

Henderson and Felder both went on to have solid solo careers both as performers and producers. Hooper likewise remained active though not as visible as the others.Joe Sample of course has gone on to become a first call pianist and has produced a score of fine albums as leader as well.

Even during the days of commercial success, the Crusaders had at their core a note of integrity. Though many will judge them for their latter more popular period, they are recognized by jazz aficionados for their work in the early ‘60’s as the Jazz Crusaders.

The young musicians performed their own mix of the sounds that came out of their culture and their experiences. It was only when they were signed to Pacific Jazz that they adopted the name that would remain unchanged for a decade.

From their first recordings, The Jazz Crusaders proved they sounded like no one else. They took as their foundation what Sample called the three pillars of African American music: jazz, blues and gospel. In fact, part of what makes The Jazz Crusaders' music through the decade of the 1960s so appealing is that their background and musical influences seemed to put them on a course of musical discovery, seeking ways to apply the art of self expression and improvisation to their own compositions and to a wide repertoire from the jazz and pop worlds.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders

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 En 1961, cuatro compañeros de Houston se mudaron a Los Ángeles y añadieron elementos más distintivos de blues al estilo de jazz soul con un álbum que les llamó la atención, "The Freedom Sound", del sello Pacific Jazz. Sus cuatro co-líderes fueron el trombonista Wayne Henderson, el saxofonista tenor (y ocasional bajista) Wilton Felder, el pianista Joe Sample, y el baterista Nesbert "Stix" Hooper.

Se unieron por primera vez en Houston en los años 50 con la formación de The Swingsters, la adopción de muchos estilos musicales diferentes por parte del grupo comienza donde normalmente lo hace, al principio. "Porque llegamos a las calles y no a los estudios", dice Felder, "nuestra música era en vivo. Las calles de Texas eran ricas en el blues de Lightnin' Hopkins. Crecimos con todos los sonidos profundos del country. Al mismo tiempo, teníamos oídos para el jazz moderno "Miles y Monk" y nunca vimos una contradicción entre lo viejo y lo nuevo." No es sorprendente, entonces, que una vez en la secundaria, los Swingsters se convirtieran en el Sexteto de Jazz Moderno, un grupo que continuó durante sus años de universidad en la Universidad del Sur de Texas. Antes de la graduación, sin embargo, la llamada de la carretera era irresistible, y se fueron a Los Ángeles.

Dos años después, en 1960, el grupo firmó con Pacific Jazz Records y rebautizó The Jazz Crusaders.
Su sonido de primera línea de trombón y saxo era único, sus chuletas de bop impecables. En una serie de álbumes superlativos, The Jazz Crusaders construyeron una reputación nacional, sobreviviendo a una década en la que la popularidad del jazz estaba en extremo declive. Por un lado, la Invasión Británica y la Motown dominaron el mercado juvenil; por otro, la vanguardia del jazz enajenó a decenas de fanáticos.

El sonido de los Jazz Crusaders se hizo notar, y sus posteriores álbumes de Pacific Jazz los recompensaron con una buena dosis de exposición. La banda tocó regularmente y tuvo mucha difusión. Pero a medida que los tiempos cambiaban, también lo hacían los Jazz Crusaders. A finales de los sesenta, incluyeron canciones populares en su repertorio, y los firmes ritmos de fondo comenzaron a reforzar muchas de sus selecciones. En 1971, decidieron que la palabra "jazz" les impedía atraer a una base de oyentes más amplia, y así emergieron de nuevo con "The Crusaders, Vol. 1," (Chisa), un álbum que infundió abiertamente el jazz con elementos de pop, soul y R&B.

Si los Crusaders de Jazz habían alcanzado algún grado de popularidad, no era nada como el éxito del crossover que saludó a los Crusaders. Álbumes como "Scratch", "Southern Comfort", "Chain Reaction", "Those Southern Knights", "Free as the Wind", "Images, Street Life" y "Royal Jam" (grabados en varias ocasiones para los sellos Chisa, ABC Blue Thumb y MCA) se vendieron bien y atrajeron un diluvio de nuevos fans. El tema que da título a Street Life, con Randy Crawford a la voz, proporcionó a los Crusaders un gran éxito en 1979.

La popularidad de los Crusaders comenzó a desvanecerse a principios de los ochenta, impulsada por la salida de Henderson. Hooper también se fue, y a principios de los 90, Sample y Felder habían disuelto el grupo.

Unos años más tarde, Henderson y Felder comenzaron a actuar juntos, primero como los New Crusaders y luego como los Jazz Crusaders. Henderson pudo mantener el nombre de Jazz Crusaders y todavía está de gira bajo ese nombre.

Se reunieron después de una ausencia de 20 años, y en 2003, Verve Records lanzó "Rural Renewal". Este disco presentaba el corazón de la alineación original de los Crusaders; Joe Sample en las teclas, Wilton Felder en el saxofón, y Stix Hooper en la batería, junto con el trombonista Steve Baxter, en el antiguo lugar de Wayne Henderson. También estaba a bordo Stewart Levine, el productor acreditado por los grandes éxitos de Los Cruzados en los años 60 y 70.

Henderson y Felder tuvieron sólidas carreras como solistas, tanto como intérpretes como productores. Hooper también se mantuvo activo, aunque no tan visible como los demás. Joe Sample, por supuesto, se ha convertido en un pianista de primera llamada y ha producido una veintena de buenos álbumes como líder también.

Incluso durante los días de éxito comercial, los Cruzados tenían en su núcleo una nota de integridad. Aunque muchos los juzgarán por su último período más popular, son reconocidos por los aficionados al jazz por su trabajo a principios de los años 60 como los Cruzados del Jazz.

Los jóvenes músicos interpretaron su propia mezcla de los sonidos que salieron de su cultura y sus experiencias.
Sólo cuando firmaron con Pacific Jazz adoptaron el nombre que permanecería inalterado durante una década.

Desde sus primeras grabaciones, The Jazz Crusaders demostraron que sonaban como nadie más. Tomaron como base lo que Sample llamó los tres pilares de la música afroamericana: jazz, blues y gospel. De hecho, parte de lo que hace tan atractiva la música de The Jazz Crusaders a lo largo de la década de 1960 es que sus antecedentes e influencias musicales parecían ponerlos en un curso de descubrimiento musical, buscando formas de aplicar el arte de la autoexpresión y la improvisación a sus propias composiciones y a un amplio repertorio del mundo del jazz y del pop.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders

Clark Terry-Freddie Hubbard-Dizzy Gillespie plus Oscar Peterson-Ray Brown-Joe Pass-Bobby Durham • The Alternate Blues

 

Benny Carter-Dizzy Gillespie • Benny Carter-Dizzy Gillespie Inc

 

 

Joe Pass • One For My Baby

 

Review by Ken Dryden
Virtuoso guitarist Joe Pass didn't need sidemen on any recording, but when he used them, he chose wisely. Tenor saxophonist Plas Johnson, keyboardist Gerald Wiggins and drummer Tootle Heath had not recorded with Pass previously, but along with bassist Andy Simpkins, they achieve a perfect first-take sound on each track. The title cut features Pass with Johnson's bluesy sax and a soft organ and brushed background. Two Pass originals are lengthy blues vehicles with plenty of solo space for all. "I Remember You" is an unlikely choice that developed from Wiggins' jamming in the studio; the ballad is a relaxing detour from the blues that dominate the album. Joe Pass was without peer on guitar the last 20 years of his life; his playing here won't disappoint.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

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Reseña de Ken Dryden
El virtuoso guitarrista Joe Pass no necesitaba sidemen en ninguna grabación, pero cuando los usaba, elegía sabiamente. El saxofonista tenor Plas Johnson, el teclista Gerald Wiggins y el batería Tootle Heath no habían grabado con Pass anteriormente, pero junto con el bajista Andy Simpkins, logran un perfecto sonido de primera toma en cada pista. El corte del título presenta a Pass con el saxo blues de Johnson y un órgano suave y un fondo cepillado. Los dos originales de Pass son largos vehículos de blues con mucho espacio para todos los solos. "I Remember You" es una elección improbable que se desarrolló a partir de la improvisación de Wiggins en el estudio; la balada es un desvío relajante del blues que domina el álbum. Joe Pass estuvo sin par en la guitarra los últimos 20 años de su vida; su actuación aquí no le decepcionará.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

 

 

 

 

Joe Pass Meets Tony Rizzi's 5 Guitars • Rose Room 1991

 

Una obra maestra de 1991 de Joe Pass grabada para el sello japonés Alfa Records. Una colaboración con Five Guitars liderada por Tony Rizzi. Tony Rizzi es un guitarrista veterano que también dejó grabaciones de 10 pulgadas para el sello estadounidense Starlite. Con una interpretación elegante y muy swingeante como telón de fondo, Joe Pass ofrece un solo maravilloso y lustroso. Incluye "I Can't Give You Anything But Love" famosa por The Stylistics, el viejo cover de jazz "I've Found a New Baby", "I Got Rhythm" de Gershwin, entre otros. La masterización estuvo a cargo de Lee Herschberg, un ingeniero de renombre que ha dejado numerosas grabaciones de alta calidad incluyendo el 1er álbum de Rickie Lee Jones. Este es un disco de alta calidad de sonido.
https://www.guitarrecords.jp/product/3291

Joe Pass & Tommy Gumina • Sentimental Moods

 

Joe Pass • Natsu - Tokyo Japan Radio Boadcast

 

Joe Pass-J.J. Johnson • We'll Be Together Again

 

Joe Pass ‎• Portraits Of Duke Ellington

The Art van Damme Quintett • Keep Going

Art Van Damme (April 9, 1920 – February 15, 2010) was an American jazz accordionist.

The hippest cat ever to swing an accordion, Art Van Damme dared go where no man had gone before: jazz accordion. He started taking accordion lessons at the age of nine, and moved on to classical studies after his family moved to Chicago, Illinois, in 1934. After leaving school. he played in a trio in local clubs under big band leader Ben Bernie hired him in 1941. He soon returned to Chicago, though, and continued to work the club circuit there throughout World War Two.

Van Damme was inspired by swing recordings, particularly Benny Goodman's, and in the late 1930s, he began experimenting, adapting Goodman solos to the accordion. Throughout his career, he would often be compared to Goodman, since the two were both classically trained, technical masters of their instruments, and versatile and creative jazz soloists. He formed a quintet with several of his studio colleagues, and recorded his first album, for the small label, Music Craft, in 1944.

More Cocktail Capers LPHe joined the staff of NBC Radio in Chicago in 1945 and remained a studio musician for over 15 years, even after he became a recording artist in his own right. His early style fits into a small but at the time quite popular niche between the cocktail piano sound and the accordion/guitar/organ sound of the Three Suns. In fact, his earliest albums for Capitol and Columbia all had titles that made this connection explicit: "Cocktail Capers"; "Martini Time"; "Manhattan Time."

Despite liner notes that described this music as "background for badinage," these are excellent albums, if far more subdued that the bebop they shared the record bins with. Van Damme's introduction of the accordion as a featured jazz instrument was well-received critically, and in 1947, Downbeat magazine put his photo on the cover of one of their issues. He would go on to voted "Top Accordionist" in Downbeat's annual poll of jazz musicians for ten years in a row. Later, he was similarly recognized by Contemporary Keyboard magazine for five years in a row.

As time went on, Van Damme moved into more adventurous territory, closer to mainstream jazz. His later Columbia albums feature him at the lead of small, tight combos, and include a mix of standards and Van Damme's own slightly bebop-ish originals. "Accordion a la Mode" may be his best album, although "A Perfect Match," in which he pairs with the fine jazz guitarist Johnny Smith, is a favorite among fans of what's been called "light jazz."

Van Damme never had a problem finding a gig, and performed at clubs and hotels throughout Europe and the U.S. Over the course of over fifty years of performing, he traveled to Europe nearly 40 times and played everywhere from the Desert Inn in Las Vegas, to the Blue Note in New York, to Disney World in Florida. He also appeared on numerous television shows, from "The Tonight Show" to "The Dinah Shore Show." In the early 1950s, his quintet also recorded over 130 15-minute segments for NBC Radio. He claims that his performing kept him so busy he never needed to practice, and says that he probably played his accordion at home less than six hours total in all that time.

After leaving NBC Radio in 1960, Van Damme opened a music store and accordion studio in Chicago, but he continued to tour regularly. He left the recording mainstream when his contract with Columbia Records ran out in 1965, but was quickly signed by the German jazz label, MPS, and went on to record 16 albums for them. Since 1980, he has recorded less frequently, usually for small jazz labels, including an excellent album with the group Singers Unlimited on the Pausa. He gradually shifted his focus from clubs to accordion and jazz workshops, telling one interview that, "The audience is more attentive and listens more intensely."

Although a number of other accordionists ventured into jazz territory after Van Damme broke the trail, he remains the acknowledged master. As one reviewer recently wrote, he dispatches "Right-hand runs with a velocity and lightness of touch that defied the presumed limitations of the instrument," while at the same time, "Consistently emphasizing the lyric contours of a melodic phrase rather than the lightning technical flourishes that led up to it."

He eventually retired to Florida. He announced at his 75th birthday party that he intended to hang up his squeezebox for good, telling one interview that he felt like he'd played enough for one lifetime, but he continued to perform occasionally, appearing at clubs throughout the U.S. until as late as 2008.

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Art Van Damme (9 de abril de 1920 - 15 de febrero de 2010) fue un acordeonista de jazz americano.

Art Van Damme, el gato más a la moda en mover un acordeón, se atrevió a ir adonde ningún hombre había ido antes: el acordeón de jazz. Comenzó a tomar clases de acordeón a la edad de nueve años, y pasó a los estudios clásicos después de que su familia se mudó a Chicago, Illinois, en 1934. Después de dejar la escuela, tocó en un trío en clubes locales bajo la dirección del líder de la gran banda Ben Bernie, quien lo contrató en 1941. Sin embargo, pronto regresó a Chicago y continuó trabajando en el circuito de clubes durante la Segunda Guerra Mundial.

Van Damme se inspiró en las grabaciones de swing, especialmente las de Benny Goodman, y a finales de los años 30 comenzó a experimentar, adaptando los solos de Goodman al acordeón. A lo largo de su carrera, a menudo se le comparaba con Goodman, ya que ambos tenían una formación clásica, eran maestros técnicos de sus instrumentos y solistas de jazz versátiles y creativos. Formó un quinteto con varios de sus colegas de estudio, y grabó su primer álbum, para el pequeño sello, Music Craft, en 1944.

More Cocktail Capers LPHe se unió al personal de NBC Radio en Chicago en 1945 y permaneció como músico de estudio durante más de 15 años, incluso después de convertirse en un artista de grabación por derecho propio. Su estilo inicial encaja en un pequeño pero muy popular nicho entre el sonido del piano de cóctel y el sonido del acordeón/guitarra/órgano de los Tres Soles. De hecho, sus primeros álbumes para Capitol y Columbia tenían títulos que hacían explícita esta conexión: "Cocktail Capers"; "Martini Time"; "Manhattan Time".

A pesar de las notas que describían esta música como "fondo para el badinage", estos son excelentes álbumes, aunque mucho más tenues que el bebop con el que compartían los cubos de los discos. La introducción de Van Damme del acordeón como instrumento de jazz fue bien recibida por la crítica, y en 1947, la revista Downbeat puso su foto en la portada de uno de sus números. En la encuesta anual de Downbeat sobre los músicos de jazz, durante diez años consecutivos, fue elegido "Top Accordionist". Más tarde, fue igualmente reconocido por la revista Contemporary Keyboard durante cinco años consecutivos.

Con el paso del tiempo, Van Damme se trasladó a un territorio más aventurero, más cercano al jazz convencional. Sus álbumes posteriores de Columbia lo presentan a la cabeza de pequeños y apretados combos, e incluyen una mezcla de estándares y los propios originales ligeramente bebop-ish de Van Damme. "Accordion a la Mode" puede ser su mejor álbum, aunque "A Perfect Match", en el que se une al guitarrista de jazz Johnny Smith, es uno de los favoritos entre los fans de lo que se ha llamado "light jazz".

Van Damme nunca tuvo problemas para encontrar un concierto, y actuó en clubes y hoteles de toda Europa y Estados Unidos. Durante más de cincuenta años de actuación, viajó a Europa casi 40 veces y tocó en todas partes, desde el Desert Inn de Las Vegas hasta el Blue Note de Nueva York y el Disney World de Florida. También apareció en numerosos programas de televisión, desde "The Tonight Show" hasta "The Dinah Shore Show". A principios de la década de 1950, su quinteto también grabó más de 130 segmentos de 15 minutos para NBC Radio. Afirma que su actuación lo mantuvo tan ocupado que nunca necesitó practicar, y dice que probablemente tocó su acordeón en casa menos de seis horas en total en todo ese tiempo.

Después de dejar NBC Radio en 1960, Van Damme abrió una tienda de música y un estudio de acordeón en Chicago, pero continuó haciendo giras regularmente. Dejó la corriente principal de la grabación cuando su contrato con Columbia Records se acabó en 1965, pero rápidamente fue firmado por el sello de jazz alemán, MPS, y grabó 16 álbumes para ellos. Desde 1980, ha grabado con menos frecuencia, generalmente para pequeños sellos de jazz, incluyendo un excelente álbum con el grupo Singers Unlimited en la Pausa. Poco a poco cambió su enfoque de los clubes a los talleres de acordeón y jazz, diciendo en una entrevista: "El público está más atento y escucha más intensamente".

Aunque otros acordeonistas se aventuraron en el territorio del jazz después de que Van Damme rompiera el camino, sigue siendo el maestro reconocido. Como escribió recientemente un crítico, despacha "Right hand runs with a velocity and lightness of touch that defied the presumed limitations of the instrument" (La mano derecha corre con una velocidad y ligereza de tacto que desafían las presuntas limitaciones del instrumento), mientras que al mismo tiempo, "Consistentemente enfatiza los contornos líricos de una frase melódica en lugar de los florecimientos técnicos relámpagos que la llevaron a ella".

Finalmente se retiró a Florida. Anunció en su fiesta de 75 años que tenía la intención de colgar su squeezebox para siempre, diciendo en una entrevista que sentía que había jugado lo suficiente para toda una vida, pero que seguía actuando ocasionalmente, apareciendo en clubes de todo Estados Unidos hasta el año 2008.

Les McCann • Soul Hits

 

Biography
by Scott Yanow
A prime player in soul jazz and jazz-pop circles, pianist and vocalist Les McCann earned his first major notices as a member of the Gene McDaniels backing band in 1959, following a stint in the U.S. Navy. He formed his own trio in 1960 and remained consistently popular for decades. A fine, earthy singer, he also did well with romantic ballads and occasional protest songs. McCann proved himself a dependable player in terms of establishing grooves or setting up rhythms. He reached the peak of his popularity with his performance at the 1969 Montreux Jazz Festival, recording "Compared to What" and "Cold Duck Time" for Atlantic with Eddie Harris and Benny Bailey (released later that year on Swiss Movement).

McCann first gained some fame in 1956 when he won a talent contest in the Navy as a singer that resulted in an appearance on television on The Ed Sullivan Show. After being discharged, he formed a trio in Los Angeles. McCann turned down an invitation to join the Cannonball Adderley Quintet so he could work on his own music. He signed a contract with Pacific Jazz and in 1960 gained some fame with his albums Les McCann Plays the Truth and The Shout. His soulful, funk style on piano was influential and McCann's singing was largely secondary until the mid-'60s. He recorded many albums for Pacific Jazz during 1960-1964, mostly with his trio but also featuring Ben Webster, Richard "Groove" Holmes, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Joe Pass, the Jazz Crusaders, and the Gerald Wilson Orchestra.

McCann switched to Limelight during 1965-1967 and then signed with Atlantic in 1968. After the success of Swiss Movement, McCann emphasized his singing at the expense of his playing and he began to utilize electric keyboards, notably on 1972's Layers. His recordings became less interesting to traditional jazz fans from that point on, and after his Atlantic contract ran out in 1976, McCann appeared on records much less often. However, he stayed popular and a 1994 reunion tour with Eddie Harris was quite successful. A mid-'90s stroke put him out of action for a time and weakened his keyboard playing (his band began carrying an additional keyboardist) but Les McCann returned to a more active schedule during 1996 and was still a powerful singer. His comeback was solidified by 2002's Pump It Up, a guest-heavy celebration of funk and jazz released on ESC Records.
https://www.allmusic.com/artist/les-mccann-mn0000245760/biography

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Biografía
por Scott Yanow
El pianista y vocalista Les McCann, uno de los principales intérpretes de soul jazz y jazz-pop, obtuvo su primer gran reconocimiento como miembro de la banda de acompañamiento de Gene McDaniels en 1959, tras su paso por la Marina estadounidense. Formó su propio trío en 1960 y mantuvo su popularidad durante décadas. Un cantante fino y campechano, también lo hizo bien con baladas románticas y canciones de protesta ocasionales. McCann demostró ser un músico fiable a la hora de establecer surcos o marcar ritmos. Alcanzó la cima de su popularidad con su actuación en el Festival de Jazz de Montreux de 1969, grabando "Compared to What" y "Cold Duck Time" para Atlantic con Eddie Harris y Benny Bailey (publicado ese mismo año en Swiss Movement).

McCann adquirió cierta fama en 1956, cuando ganó un concurso de talentos en la Marina como cantante que le valió una aparición en televisión en el programa The Ed Sullivan Show. Tras ser licenciado, formó un trío en Los Ángeles. McCann rechazó una invitación para unirse al Cannonball Adderley Quintet para poder trabajar en su propia música. Firmó un contrato con Pacific Jazz y en 1960 alcanzó cierta fama con sus álbumes Les McCann Plays the Truth y The Shout. Su estilo conmovedor y funk al piano fue muy influyente y el canto de McCann fue en gran medida secundario hasta mediados de los años 60. Grabó muchos discos para Pacific Jazz durante 1960-1964, sobre todo con su trío, pero también con Ben Webster, Richard "Groove" Holmes, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Joe Pass, los Jazz Crusaders y la Gerald Wilson Orchestra.

McCann cambió a Limelight durante 1965-1967 y luego firmó con Atlantic en 1968. Tras el éxito de Swiss Movement, McCann hizo hincapié en su forma de cantar en detrimento de su forma de tocar y empezó a utilizar teclados eléctricos, sobre todo en Layers, de 1972. A partir de ese momento, sus grabaciones se volvieron menos interesantes para los aficionados al jazz tradicional y, tras la finalización de su contrato con Atlantic en 1976, McCann apareció en los discos con mucha menos frecuencia. Sin embargo, siguió siendo popular y una gira de reunión con Eddie Harris en 1994 tuvo bastante éxito. Un derrame cerebral a mediados de los 90 le dejó fuera de combate durante un tiempo y debilitó su forma de tocar el teclado (su banda empezó a llevar un teclista adicional), pero Les McCann volvió a una agenda más activa durante 1996 y siguió siendo un cantante poderoso. Su regreso se consolidó con Pump It Up, de 2002, una celebración del funk y el jazz con muchos invitados, publicado por ESC Records.
https://www.allmusic.com/artist/les-mccann-mn0000245760/biography

Oscar Peterson + Harry Edison + Eddie ''Cleanhead'' Vinson

Bud Shank & The Folkswingers • Folk 'N Flute

 

Roy Eldridge • Decidedly

 

Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.  
If a listener picks up a 50-minute jazz album that only contains four songs, he or she will rest assured that the musicians really get a chance to stretch things out. In the case of Decidedly, featuring tested players like trumpeter Roy Eldridge, guitarist Joe Pass, tenor Johnny Griffin, and pianist Ray Bryant, this is a good thing. Recorded live in 1975 in Antibes, France, before an appreciative audience, the material is being issued for the first time in 2002. The group kicks off with an Eldridge original, "Bee's Bloos," and settles into a relaxed groove for the rest of the show. A 16-minute take of "Lover Man (Oh, Where Can You Be?)" follows, with lengthy, soulful solos handed in by everyone. Bassist Niels-Henning Orsted Pedersen and drummer Louis Bellson offer tasteful underpinning along with a little muscle on "Undecided." The disc closes out with an appearance by Milt Jackson on piano for Thelonious Monk's "Hackensack." It will perhaps seem odd that this swinging set, performed in France while the fusion movement was sweeping the states, will probably have a more receptive audience today than it would have had over 25 years ago. But history, and good taste, are never predictable. Decidedly is a lovely live disc, and will be appreciated by fans of any of the participants.


Biography
by Scott Yanow
One of the most exciting trumpeters to emerge during the swing era, Roy Eldridge's combative approach, chance-taking style and strong musicianship were an inspiration (and an influence) to the next musical generation, most notably Dizzy Gillespie. Although he sometimes pushed himself farther than he could go, Eldridge never played a dull solo.

Roy Eldridge started out playing trumpet and drums in carnival and circus bands. With the Nighthawk Syncopators he received a bit of attention by playing a note-for-note re-creation of Coleman Hawkins' tenor solo on "The Stampede." Inspired by the dynamic playing of Jabbo Smith (Eldridge would not discover Louis Armstrong for a few years), Eldridge played with some territory bands including Zack Whyte and Speed Webb and in New York (where he arrive in 1931) he worked with Elmer Snowden (who nicknamed him "Little Jazz"), McKinney's Cotton Pickers, and most importantly Teddy Hill (1935). Eldridge's recorded solos with Hill, backing Billie Holiday and with Fletcher Henderson (including his 1936 hit "Christopher Columbus") gained a great deal of attention. In 1937 he appeared with his octet (which included brother Joe on alto) at the Three Deuces Club in Chicago and recorded some outstanding selections as a leader including "Heckler's Hop" and "Wabash Stomp." By 1939 Eldridge had a larger group playing at the Arcadia Ballroom in New York. With the decline of Bunny Berigan and the increasing predictability of Louis Armstrong, Eldridge was arguably the top trumpeter in jazz during this era.

During 1941-1942 Eldridge sparked Gene Krupa's Orchestra, recording classic versions of "Rockin' Chair" and "After You've Gone" and interacting with Anita O'Day on "Let Me Off Uptown." The difficulties of traveling with a White band during a racist period hurt him, as did some of the incidents that occurred during his stay with Artie Shaw (1944-1945) but the music during both stints was quite memorable. Eldridge can be seen in several "soundies" (short promotional film devoted to single songs) of this era by the Krupa band, often in association with O'Day, including "Let Me Off Uptown" and "Thanks for the Boogie Ride." He is also very prominent in the band's appearance in Howard Hawks' Ball of Fire, in an extended performance of "Drum Boogie" mimed by Barbara Stanwyck, taking a long trumpet solo -- the clip was filmed soon after Eldridge joined the band in late April of 1941, and "Drum Boogie" was a song that Eldridge co-wrote with Krupa.

Eldridge had a short-lived big band of his own, toured with Jazz at the Philharmonic, and then had a bit of an identity crisis when he realized that his playing was not as modern as the beboppers. A successful stay in France during 1950-1951 restored his confidence when he realized that being original was more important than being up-to-date. Eldridge recorded steadily for Norman Granz in the '50s, was one of the stars of JATP (where he battled Charlie Shavers and Dizzy Gillespie), and by 1956, was often teamed with Coleman Hawkins in a quintet; their 1957 appearance at Newport was quite memorable. The '60s were tougher as recording opportunities and work became rarer. Eldridge had brief and unhappy stints with Count Basie's Orchestra and Ella Fitzgerald (feeling unnecessary in both contexts) but was leading his own group by the end of the decade. He spent much of the '70s playing regularly at Ryan's and recording for Pablo and, although his range had shrunk a bit, Eldridge's competitive spirit was still very much intact. Only a serious stroke in 1980 was able to halt his horn. Roy Eldridge recorded throughout his career for virtually every label.
https://www.allmusic.com/artist/roy-eldridge-mn0000346637/biography

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Reseña
por Ronnie D. Lankford, Jr.  
Si un oyente elige un álbum de jazz de 50 minutos que sólo contiene cuatro canciones, tendrá la seguridad de que los músicos realmente tienen la oportunidad de estirar las cosas. En el caso de Decidedly, en el que participan músicos tan experimentados como el trompetista Roy Eldridge, el guitarrista Joe Pass, el tenor Johnny Griffin y el pianista Ray Bryant, esto es algo positivo. Grabado en directo en 1975 en Antibes (Francia) ante un público entregado, el material se publica por primera vez en 2002. El grupo comienza con un tema original de Eldridge, "Bee's Bloos", y se instala en un ritmo relajado durante el resto del concierto. Le sigue una versión de 16 minutos de "Lover Man (Oh, Where Can You Be?)", con largos y conmovedores solos a cargo de todos. El bajista Niels-Henning Orsted Pedersen y el batería Louis Bellson ofrecen un buen apoyo junto con un poco de músculo en "Undecided". El disco se cierra con una aparición de Milt Jackson al piano para "Hackensack" de Thelonious Monk. Quizás resulte extraño que este conjunto de swing, interpretado en Francia mientras el movimiento de fusión arrasaba en los Estados Unidos, tenga probablemente un público más receptivo hoy que hace más de 25 años. Pero la historia, y el buen gusto, nunca son predecibles. Decididamente es un precioso disco en directo, y será apreciado por los fans de cualquiera de los participantes.


Biografía
por Scott Yanow
Roy Eldridge, uno de los trompetistas más excitantes que surgieron en la era del swing, su enfoque combativo, su estilo arriesgado y su sólida musicalidad fueron una inspiración (y una influencia) para la siguiente generación musical, sobre todo para Dizzy Gillespie. Aunque a veces se esforzaba más de la cuenta, Eldridge nunca tocaba un solo aburrido.

Roy Eldridge empezó tocando la trompeta y la batería en bandas de carnaval y circo. Con los Nighthawk Syncopators llamó un poco la atención al tocar una recreación nota por nota del solo de tenor de Coleman Hawkins en "The Stampede". Inspirado por la dinámica forma de tocar de Jabbo Smith (Eldridge no descubriría a Louis Armstrong hasta pasados unos años), Eldridge tocó con algunas bandas territoriales como Zack Whyte y Speed Webb y en Nueva York (donde llegó en 1931) trabajó con Elmer Snowden (que le apodó "Little Jazz"), McKinney's Cotton Pickers y, sobre todo, con Teddy Hill (1935). Los solos grabados de Eldridge con Hill, acompañando a Billie Holiday y con Fletcher Henderson (incluyendo su éxito de 1936 "Christopher Columbus") ganaron mucha atención. En 1937 apareció con su octeto (que incluía a su hermano Joe como contralto) en el Three Deuces Club de Chicago y grabó algunas selecciones destacadas como líder, incluyendo "Heckler's Hop" y "Wabash Stomp". En 1939 Eldridge tenía un grupo más grande que tocaba en el Arcadia Ballroom de Nueva York. Con el declive de Bunny Berigan y la creciente previsibilidad de Louis Armstrong, Eldridge era posiblemente el mejor trompetista de jazz durante esta época.

Durante 1941-1942 Eldridge fue el chispazo de la Orquesta de Gene Krupa, grabando versiones clásicas de "Rockin' Chair" y "After You've Gone" e interactuando con Anita O'Day en "Let Me Off Uptown". Las dificultades de viajar con una banda de blancos durante una época racista le perjudicaron, al igual que algunos de los incidentes ocurridos durante su estancia con Artie Shaw (1944-1945), pero la música durante ambas etapas fue bastante memorable. Se puede ver a Eldridge en varios "soundies" (cortos promocionales dedicados a canciones sueltas) de esta época de la banda de Krupa, a menudo en asociación con O'Day, incluyendo "Let Me Off Uptown" y "Thanks for the Boogie Ride". También es muy prominente en la aparición de la banda en Ball of Fire de Howard Hawks, en una actuación extendida de "Drum Boogie" imitada por Barbara Stanwyck, tomando un largo solo de trompeta -- el clip fue filmado poco después de que Eldridge se uniera a la banda a finales de abril de 1941, y "Drum Boogie" era una canción que Eldridge co-escribió con Krupa.

Eldridge tuvo su propia big band de corta duración, salió de gira con Jazz at the Philharmonic y luego tuvo una pequeña crisis de identidad cuando se dio cuenta de que su forma de tocar no era tan moderna como la de los beboppers. Una exitosa estancia en Francia durante 1950-1951 le devolvió la confianza al darse cuenta de que ser original era más importante que estar a la última. Eldridge grabó con regularidad para Norman Granz en los años 50, fue una de las estrellas de JATP (donde se enfrentó a Charlie Shavers y Dizzy Gillespie) y, en 1956, a menudo formaba equipo con Coleman Hawkins en un quinteto; su aparición en Newport en 1957 fue bastante memorable. Los años 60 fueron más duros, ya que las oportunidades de grabación y el trabajo eran cada vez más escasos. Eldridge tuvo breves e infelices temporadas con la orquesta de Count Basie y Ella Fitzgerald (sintiéndose innecesario en ambos contextos), pero a finales de la década ya dirigía su propio grupo. Pasó gran parte de los años 70 tocando regularmente en Ryan's y grabando para Pablo y, aunque su rango se había reducido un poco, el espíritu competitivo de Eldridge seguía intacto. Sólo un grave derrame cerebral en 1980 pudo detener su trompa. Roy Eldridge grabó a lo largo de su carrera para prácticamente todos los sellos.
https://www.allmusic.com/artist/roy-eldridge-mn0000346637/biography

The Guitar & Orchestra Of Joe Pass • A Sign Of The Times